La Squadra – inicjatywa, która łączy miłośników motoryzacji postrzegających samochody jako funkcjonalne dzieła sztuki i jednocząca fanów kultowych marek, takich jak Ferrari, Pagani, Bugatti, Rimac, Singer, Koenigsegg i Alpine, oraz wyjątkowy AGTZ Twin Tail z dumą pełni rolę głównego partnera drugiej edycji NADA Villa Warsaw, w trakcie której odbędzie się polska premiera AGTZ Twin Tail.
To partnerstwo to naturalna synergia między dwoma obszarami, w których spotykają się sztuka i kunszt — najlepszy design motoryzacyjny i współczesne sztuki wizualne. Salon Wirażowa 21 by La Squadra w Warszawie prezentujący wystawę uznanych artystów: Angeliki Markul, Maurycego Gomulickiego, Nicolasa Grospierre’a i Xawerego Wolskiego, ucieleśnia tę fuzję, przekształcając doskonałość motoryzacyjną w formę ekspresji artystycznej.
Druga edycja NADA Villa Warsaw odbędzie się w dniach 22–25 maja 2025 roku w historycznej Willi Gawrońskich przy Al. Ujazdowskich 23 w Warszawie. Tegoroczna odsłona zgromadzi 50 galerii sztuki współczesnej z 15 krajów. Wystawa „La Squadra del Arte: Angelika Markul, Maurycy Gomulciki, Nicolas Grosspiere oraz Xawery Wolski” w salonie Wirażowa 21 by La Squadra oferuje wyjątkową platformę do podniesienia kulturowego wymiaru hipersamochodów poza cuda inżynierii, pozycjonując je jako funkcjonalne dzieła sztuki w szerszym kontekście kreatywnym. To partnerstwo zwiększa prestiż i widoczność marki wśród międzynarodowej publiczności kolekcjonerów sztuki, entuzjastów i koneserów zgromadzonych wokół wydarzenia, którego główna odsłona prezentowana jest w historycznej Willi Gawrońskich, znanej z neobarokowej architektury i wydarzeń współczesnej sceny artystycznej. Co więcej, włączenie artystów takich jak Angelika Markul, Maurycy Gomulicki, Nicolas Grospierre i Xawery Wolski do wystawowej przestrzenie salonu La Squadra podkreśla zaangażowanie w prezentowanie różnorodnych perspektyw artystycznych, od fotografii konceptualnej i rzeźby po współczesne instalacje.
Angelika Markul j to urodzona w Polsce współczesna artystka znana z multidyscyplinarnej twórczości, która obejmuje instalacje wideo, rzeźby i obiekty artystyczne. Jej twórczość eksploruje tematy, takie jak pamięć, czas, kreacja, destrukcja i cykl życia, często łącząc badania naukowe z elementami fikcji i tworzenia mitów. Sztuka Markul często bada zaginione, niezbadane lub niebezpieczne miejsca naturalne i historyczne, takie jak Czarnobyl, zatopione zabytki w Japonii i jaskinie kryształowe w Meksyku, badając wzajemne oddziaływanie natury, historii i ludzkiego doświadczenia. Poprzez swoje wciągające instalacje stara się uwidocznić to, co niejasne i ukryte, wywołując poetycką i duchową refleksję na temat istnienia i pamięci zbiorowej. Jej prace były wystawiane na całym świecie i docenione nagrodami, takimi jak SAM Contemporary Art Award i COAL Art and Environment Award.
Na wystawie prezentujemy obiekty z serii „O, Lie on Me”, które odnoszą się do nieuchwytnej i często niewyrażalnej natury pożądania, miłości i ludzkiej więzi, badając emocjonalne głębie fizycznej i uczuciowej intymności, zapraszając widzów do doświadczenia subtelnych, złożonych doznań związanych z ludzką namiętnością i wrażliwością.
Maurycy Gomulicki to wszechstronny polski artysta wizualny, projektant, fotograf i antropolog kultury popularnej, znany z żywych, kolorowych prac, które łączą sztukę wysoką z kulturą popularną, kiczem, erotyzmem i fantazją. Jego praktyka artystyczna obejmuje fotografię, projektowanie graficzne, instalacje neonowe, rzeźby i sztukę wideo. Gomulicki często eksploruje tematy przyjemności, pożądania i kultury rozkoszy, używając intensywnych kolorów i zabawnych obrazów, aby kwestionować normy kulturowe i celebrować zmysłowość. Kolor w pracach Gomulickiego funkcjonuje jako dynamiczne narzędzie, które kształtuje doświadczenie widza, wzmacniając kontrasty i podkreślając symboliczne elementy w jego rzeźbach i instalacjach.” Od ponad dwóch dekad gros mojej uwagi koncentruje się wokół kwestii Kultury Rozkoszy. Konsekwentnie staram się przywracać przyjemności należne jej, w moim odczuciu, miejsce w
Kulturze- mówi Gomulicki. Świat pozbawiony piękna i radości nie ma dla mnie racji bytu. Na nasze szczęście okrutne życie musi nas uwodzić, potrafi się do nas naprawdę pięknie uśmiechnąć a nie raz i szelmowsko puścić oko”. Prezentowane na wystawie rzeźby „Gaja”, „Dziuńka” i „ Jutrzenka” to wykonane z drobiazgowym kunsztem znakomite przykłady jego żywej estetyki i tematycznego skupienia na przyjemności, pożądaniu i symbolice kulturowej.
Nicolas Grospierre to pochodzący ze Szwajcarii artysta wizualny i fotograf mieszkający w Warszawie. Jego praktyka obejmuje fotografię dokumentalną, konceptualne fotomontaże, wideo i immersyjne instalacje często skupiając się na modernistycznej architekturze jako odzwierciedleniu ideologii politycznych i społecznych. Grospierre bada tematy pamięci zbiorowej, utopijnych ideałów i ich rozpadu związanego z nowoczesną architekturą oraz paradoksów percepcyjnych, które podważają pojęcia autentyczności i znaczenia obrazu. Jego prace tworzą wizualnie urzekającą i prowokującą do myślenia sztukę, która łączy dokumentalny rygor z eksperymentami koncepcyjnymi. Grospierre został doceniony na arenie międzynarodowej, w szczególności otrzymał Złotego Lwa na 11. Biennale Architektury w Wenecji w 2008 roku.
Na wystawie prezentujemy prace będące częścią jego artystycznej eksploracji minerałów, w szczególności agatów, które prezentuje za pośrednictwem instalacji fotograficznych i rzeźbiarskich. Praca Grospierre’a polega na rozcinaniu i powiększaniu plasterków agatu, aby odsłonić ich skomplikowane, wielobarwne, warstwowe struktury, często porównując je do naturalnych krajobrazów, form organicznych, a nawet mitologicznych obrazów. Instalacje wykorzystują odbitki fotograficzne, lightboxy, lustra i materiały takie jak stal i mosiądz, aby stworzyć wciągające środowiska, które zapraszają widzów do wpatrywania się w psychodeliczne, warstwowe wnętrza tych kamieni, wywołując zarówno naukową ciekawość, jak i poetycką refleksję. Ta praca odzwierciedla szersze zainteresowanie Grospierre’a ujawnianiem ukrytego piękna i złożoności pod powierzchniami, zapraszając widzów do eksploracji warstwowych głębin zarówno świata minerałów, jak i ludzkiej percepcji.
Xawery Wolski jest polskim artystą zajmującym się rzeźbą, instalacją i rysunkiem W 1995 roku założył swoją pracownię w mieście Meksyk a po powrocie do Polski w roku 2021 rozwija swoją twórczość w rodzinnym Dańkowie. Istotny wpływ na jego postawę artystyczną mają doświadczenia rzeźbiarskie z włoskiej Carrary, studia artystyczne i antropologiczne na temat zastosowań gliny w wyrobach ceramicznych i architekturze Peru i Meksyku, a także realizacje dla miast, muzeów i instytucji we Francji, USA i Meksyku. Miał ponad siedemdziesiąt wystaw na całym świecie między innymi w: Liu Haisu Art Museum, Szanghaj, Chiny; Jim Thompson Arts Centre, Bangkok, Tajlandia; Galeri Nasional Indonesia, Dżakarta, Indonezja; Zachęta Narodowa Galeria Sztuki, Warszawa, Polska, Centrum Rzeźby Polskiej w Orońsku, Polska, Centralnym Muzeum Włókiennictwa w Łodzi, Polska oraz w mieście Meksyku w: Museo de Arte Carrillo Gil, Museo Tamayo, Museo de Arte Moderno, Museo Nacional de Arte.
Rzeźby Wolskiego, wykonane z materiałów takich jak terakota, brąz, ceramika i włókno szklane eksplorują tematy pamięci, istnienia i transformacji. Przywodzą na myśl zarówno kruchość, jak i odporność. Na wystawie prezentujemy szeroki wybór prac artysty w tym m. innymi prace z serii Metamorphosis, która koncentruje się na idei transformacji jako trwającego, płynnego procesu bez ustalonego celu. Poprzez rzeźby wykonane głównie z białej terakoty, brązu, włókna szklanego, gliny i szkła, Wolski eksploruje tematy czasu, przestrzeni, wolności. Prace często zawierają stożkowate elementy stosowane do tradycyjnych form rzeźbiarskich, tworząc poczucie mutacji lub ewolucji, które przywołuje zarówno biologiczny wzrost i rozkład, jak i metafizyczną zmianę. Wolski tworzy „mosty komunikacji” między przeszłością i teraźniejszością, pozwalając tym warstwom czasowym współistnieć i oddziaływać na siebie, wspierając dialog, który otwiera możliwości nowych form i znaczeń. Prace z serii Nucleus przywołują formy organiczne, komórkowe lub kosmiczne, symbolizując rdzeń lub „jądro” jako centrum energii, życia i wzajemnych powiązań. Seria Nucleus wykorzystuje mieszane techniki, w tym wydruki atramentowe na papierze, aby tworzyć wizualnie złożone, warstwowe kompozycje. Wolski używa abstrakcyjnych kształtów i powtarzających się motywów, które przypominają struktury komórkowe lub sieci, podkreślając ideę współzależności i przepływu energii w systemach — biologicznych, społecznych lub kosmicznych. Seria zaprasza do kontemplacji cykli życia, pamięci i odnowy.
Pokaz La Squadra del Arte: Angelika Markul, Maurycy Gomulcki, Nicolas Grosspiere oraz Xawery Wolski” to zaproszenie do refleksji nad niewidzialnymi połączeniami, które wiążą czas, przestrzeń i ludzkie doświadczenie, Wierzymy, że sztuka nie tylko inspiruje, ale odkrywa przed nami możliwość obcowania z twórczym językiem, który odkrywa nowe treści. Czasami drażni, czasami zachwyca, ale zawsze buduje nowe doświadczenia. To niewyczerpane źródło inspiracji. Podążając tym szlakiem przyglądamy się najciekawszym zjawiskom w sztuce współczesnej. Szukając odpowiedzi na pytanie czy w motoryzacji jest miejsce na wyjątkowość prezentujemy największe osiągnięcia sztuki motoryzacyjnej, przy których obecność rzeźby zyskuje swoje miejsce nie tylko jako uzupełniająca forma sztuki, ale jako koncepcyjne zwierciadło samego projektowania samochodów. Wspaniałe samochody — zwłaszcza te uznane za ich artystyczne i historyczne znaczenie — to coś więcej niż maszyny; to rzeźby w ruchu. Są kształtowane z tą samą intencjonalnością, finezją i emocjonalną narracją, co każde arcydzieło z brązu lub marmuru. Nasz pokaz to starannie wyselekcjonowany dialog, który nie tylko wzmacnia wizualną i sensoryczną atmosferę salonu, ale także zaprasza odwiedzających do doświadczenia skrzyżowania innowacji, rzemiosła i ekspresji artystycznej, czyniąc La Squadra pionierską przestrzenią, w której spotykają się sztuka i pasja motoryzacyjna.
Partnerstwo między La Squadra a NADA Villa Warsaw to przekonujący sojusz, który wzmacnia narrację o hipersamochodach jako arcydziełach designu i innowacji. Oferuje ono wzajemne korzyści, łącząc odrębne, ale uzupełniające się grupy odbiorców, pielęgnując uznanie dla rzemiosła i świętując zbieżność sztuki i technologii.
